Wann begann die feministische Kunstbewegung?
Die Geschichte der feministischen Kunstbewegung, wie wir sie heute kennen, entstand in einer Zeit enormer kultureller Umbrüche. Die 1960er-Jahre waren eines der turbulentesten und spaltendsten Jahrzehnte der Geschichte, geprägt von Bürgerrechtsbewegungen, dem Vietnamkrieg, Protesten und politischen Attentaten. Für viele war diese Zeit ein notwendiger Moment des Wandels und der Erneuerung.
Ein entscheidender Wendepunkt kam 1971 mit Linda Nochlins Essay Why Have There Been No Great Women Artists? (Warum gab es keine großen Künstlerinnen?). Der Text kritisierte die sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Bedingungen, die Frauen daran hinderten, denselben Status und Rang wie ihre männlichen Kollegen zu erreichen.
Die feministische Kunstbewegung hatte das Ziel, tief verwurzelte soziokulturelle Perspektiven durch Kunst zu hinterfragen, Vorurteile abzubauen und einen neuen Dialog über die weibliche Erfahrung zu eröffnen. Dadurch schuf die feministische Kunst neue Möglichkeiten und Räume, die Frauen und Künstler:innen aus Minderheiten zuvor verwehrt geblieben waren.
Was ist feministische Kunst?
Das übergeordnete Ziel der feministischen Kunst ist es, einen Raum für weiblich-zentrierte Repräsentation zu schaffen und auf die Unsichtbarmachung von Frauen und ihren Errungenschaften in Kunst und Gesellschaft aufmerksam zu machen. Feministische Künstler:innen setzten sich aktiv dafür ein, dass die westliche Kunst nicht weiterhin die tief in der Gesellschaft verankerten Geschlechtergrenzen reproduzierte.
Da es beim feministischen Kunstschaffen darum ging, Grenzen zu durchbrechen, überrascht es nicht, dass keine bestimmte Stilrichtung oder Technik den Begriff vollständig definiert. In den 1960er-Jahren griffen feministische Künstler:innen auf eine breite Palette alternativer und zuvor übersehener Materialien zurück. Diese Materialien standen oft in Zusammenhang mit Geschlechterpolitik und der weiblichen Erfahrung.
Performancekunst, digitale Medien und Textilien rückten ins Zentrum – Ausdrucksformen, die in der Kunstgeschichte oft von Männern vernachlässigt oder abgewertet wurden. Bis in die 1960er-Jahre hinein hatten männliche Künstler die Hierarchie zwischen „hoher“ und „niederer“ Kunst dominiert. In Reaktion darauf entschieden sich feministische Künstler:innen, auf Medien zu verzichten, die patriarchalen Strukturen unterlagen, und stattdessen unkonventionelle Wege der künstlerischen Selbstentfaltung zu wählen.
Die Kunstgeschichte neu schreiben
Neben der Erprobung neuer Ausdrucksformen hatten feministische Künstler:innen das Ziel, die Kunstgeschichte neu zu schreiben. Sie stellten die Abwesenheit von Frauen im globalen Kanon infrage und begaben sich auf den Weg, die männliche Dominanz in der historischen und kulturellen Dokumentation zu durchbrechen.
Ein bahnbrechendes Werk der Bewegung war The Dinner Party (1974) von Judy Chicago. Diese ikonische Installation würdigte die lange übersehenen Beiträge von Frauen zur Kunstgeschichte, darunter Persönlichkeiten wie Frida Kahlo, Lee Krasner und Gertrude Stein. Judy Chicago inszenierte ein zeremonielles Bankett auf einem dreieckigen Tisch mit 39 Gedecken, die alle einer bedeutenden Frau der Geschichte gewidmet waren. Unter dem Tisch waren in goldener Schrift die Namen von 999 weiteren Frauen verewigt, die Anerkennung verdienten. Die Ausstellung (im Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art) wird bis heute regelmäßig aktualisiert und um neue feministische Stimmen ergänzt, um den Kampf für Geschlechtergerechtigkeit fortzuführen.
Dank der furchtlosen Experimentierfreude feministischer Künstler:innen entstand eine neue Definition von Kunst. Die zunehmende Inklusivität – sowohl hinsichtlich der verwendeten Materialien als auch der Perspektiven – eröffnete eine neue künstlerische Welt. Die feministische Kunstbewegung ebnete den Weg für nachfolgende künstlerische Strömungen wie die Identitätskunst und die Aktivistenkunst der 1980er-Jahre.
Bedeutende Künstlerinnen der feministischen Kunstgeschichte
Miriam Shapiro
In den 1970er-Jahren prägte Miriam Schapiro den Begriff Femmage, um Werke zu beschreiben, die Stoffe und andere Textilien kombinierten. Alles, was traditionell als „niedere“ weibliche Handwerkskunst galt – Nähen, Sticken, Schneiden, Applizieren oder Kochen – wurde in ihrer Kunst aufgewertet. Miriam erklärte diese Tätigkeiten zu einem legitimen und bereichernden Bestandteil der Hochkunst.
Guerrilla Girls
In den 1980er-Jahren stellte das feministische Künstlerkollektiv Guerrilla Girls die Dominanz weiblicher Aktdarstellungen im westlichen Kunstkanon infrage und forderte eine gerechtere Repräsentation von Künstlerinnen. Die Gruppe formierte sich 1984 als Reaktion auf die Ausstellung An International Survey of Recent Painting and Sculpture im MoMA, bei der nur 13 von 169 ausgestellten Künstler:innen Frauen waren. In Anlehnung an Street Artists und Aktivist:innen nutzten die Guerrilla Girls Plakate, Typografie und Druckgrafiken für ihre Kampagnen. Häufig übernahmen sie große Werbeflächen in New York City, um ihre Botschaft zu verbreiten.
Barbara Kruger
Die amerikanische Konzeptkünstlerin und Collage-Künstlerin Barbara Kruger erschafft großformatige digitale Installationen und Fotografien. Ihre Werke, die mit provokanten Slogans zu Autorität, Identität und Sexualität überlagert sind, hinterfragen die Macht der Massenmedien. Durch Überlagerungstechniken und eindringliche Botschaften erforscht Barbara Kruger die Identitätspolitik der Gegenwart.
Sarah Lucas
In den 1990er-Jahren setzten feministische Künstlerinnen weiterhin vermeintlich „weibliche“ Materialien ein, um sexistische Subtexte offenzulegen und gesellschaftliche sowie politische Normen zu hinterfragen. Sarah Lucas, Mitglied der Young British Artists, nutzt auffällige visuelle Metaphern und beißenden Humor in ihren Collagen und Installationen, etwa in ihrer Bunny Girl-Serie.
Louise Bourgeois
Die französisch-amerikanische Künstlerin Louise Bourgeois (1911–2010) widmete sich in ihrer acht Jahrzehnte währenden Karriere herausfordernden Themen wie Sexualität, Enge und dem weiblichen Körper. Obwohl sie keiner bestimmten Kunstbewegung zugeordnet wurde, sicherte sie Frauen einen kompromisslosen Platz in der Kunstwelt. Ihre unverblümten phallischen Skulpturen, riesigen Spinnenmütter und beeindruckenden Installationen haben Kunstgeschichte geschrieben.
Zeitgenössische feministische Künstlerinnen
Die feministische Kunstbewegung prägt die Kunstwelt bis heute, da zeitgenössische feministische Künstlerinnen weiterhin für Geschlechtergerechtigkeit und Bürgerrechte kämpfen.
Diese sechs Künstlerinnen hinterfragen und definieren die Bedeutung von Weiblichkeit neu und setzen ihre Kunst als Mittel gegen patriarchale Unterdrückung ein.
Mikela Henry-Lowe
Die jamaikanische Künstlerin Mikela Henry-Lowe interessiert sich für die Darstellung von schwarzen Frauen in der Gesellschaft. Mit einer auffälligen Farbpalette und geometrischen Formen widersetzen sich Mikelas Porträtbilder der überwiegend negativen Darstellung von schwarzen Frauen in den Medien.
Georgina Clapham
Georginas zeitgenössische Porträts, die von alten Meistern inspiriert sind, greifen die historische Symbolik durch eine moderne, feministische Linse auf. In ihrer Arbeit, in der sie Schönheit und Groteske ausbalanciert, erforscht sie die transformative Kraft von Kleidung, stärkt ihre Motive und lädt die Betrachter auf eine Reise der Selbstdarstellung ein.
Camille Royer
Das Werk von Camille Royer, in dem sich handwerkliche Präzision und künstlerische Erkundung verbinden, hinterfragt die Darstellung von Weiblichkeit und die politischen Themen rund um den Körper. Durch Skulpturen, Installationen und geprägte Arbeiten auf Papier entwickelt sie eine facettenreiche Praxis, die durch poetische Experimente bereichert wird.
Héloïse O'Keeffe
Héloïse stellt die weibliche Form in den Mittelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit und geht über die traditionellen Darstellungen hinaus, um Themen wie Identität, Intimität und Stille zu erkunden. Ihre Verwendung von Rohmaterialien wie Graphit und Holzkohle unterstreicht die organische Kraft des weiblichen Körpers und stellt konventionelle Darstellungen in Frage.
Xidong Luo
Die in Shenzhen lebende, autodidaktische Fotografin Xidong Luo kreiert Selbstporträts und Stillleben mit Spiegelungen, die die vergängliche weibliche Schönheit, den weiblichen Schmerz und die Verbindung zwischen Frauen und Natur erforschen.
Katya Tsareva
Katya fordert die Darstellung des weiblichen Körpers zurück und erforscht sein transformatives Potenzial, indem sie ihn morpht und neu erfindet. Indem sie veränderte Fotografien als Ausgangspunkt verwendet, untergräbt sie die traditionelle Objektivierung und ermächtigt die Betrachter, ihre Wahrnehmungen zu hinterfragen und ihren Platz in der Welt neu zu definieren.
