Interview mit Ashley Hanson: Arbeit mit den Sinnen und dem Intellekt

Ashley Hanson ist ein preisgekrönter abstrakter Maler, der sich von der Stadt und dem Meer inspirieren lässt. Ashley mischt exotische Farben mit ausdrucksstarken Kompositionen und bewegt sich auf dem schmalen Grat zwischen Freiheit und Kontrolle und dem Raum zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit. Das Finden von Gleichgewicht durch Form und Farbe ist die Essenz seiner Praxis.

Wie ist das Jahr 2023 für Sie bisher verlaufen?

Es war ziemlich hektisch, sowohl beim Ausstellen als auch beim Schaffen, was man sich als Künstler ja auch wünscht. Ich habe mich auf meine Porthleven-Serie konzentriert, die jetzt 66 Gemälde umfasst, mit einem neuen "Baum"-Motiv und einem Konzept für einen "hängenden Hafen". Was das Ausstellen angeht, so scheine ich immer mehr Kilometer zu sammeln. Ich habe an Visions of Sugarplums bei AKA contemporary in Cambridge teilgenommen, wo ich auch einen Vortrag über meine Arbeit gehalten habe, sowie an der Winter Group Show im Linden Hall Studio in Deal. Ich habe zum ersten Mal in der Associates Exhibition in der Penwith Gallery ausgestellt und meine Serie Beach Huts ist derzeit in der Rutland Gallery in Uppingham zu sehen.

Wie sieht ein durchschnittlicher Tag im Studio für Sie aus?

Im Moment herrscht im Atelier eine gute Dynamik, es passieren spannende Dinge und die Farbe Blau beginnt wieder zu dominieren. Es besteht ein besonderer Druck, da ich versuche, ein neues Porthleven-Gemälde für eine Ausstellung in ein paar Wochen fertigzustellen.

Mein Ateliertag und meine Arbeitsweise sind fest etabliert. Ich bringe Ideen, Zeichnungen, Studien, Worte, Möglichkeiten mit ins Atelier, aber keine feste Vorstellung davon, wohin das Bild gehen könnte. Vorläufige Visionen und das Visuelle, das, was tatsächlich auf dem Bild passiert, stimmen nicht immer überein. Ich arbeite ausschließlich mit Ölfarben, sowohl wegen der Lebendigkeit der Farben als auch wegen der langsamen Trocknungszeit, die eine ununterbrochene Bearbeitung und Zeit zum Nachdenken ermöglicht.

Ich beginne mit einer Farbe, lege einen Grund, finde dann eine zweite Farbe, die mit der ersten in Resonanz steht. Ideen/Zeichnung/Linie werden eingeführt. Was vor mir liegt, provoziert den nächsten Schritt. Viele Veränderungen, viele Farbschichten und Umzeichnungen, viel Kaffee, bis schließlich mit der Zeit ein Bild entsteht, das sowohl vom Thema als auch von der Erfahrung des Malens handelt, mit einem schwer fassbaren Unterschied.

Wie sehen Sie die Verbindung zwischen Literatur und Malerei in Ihrer Praxis?

Alle meine Arbeiten sind eine Verschmelzung von Information und Vorstellungskraft, und die Arbeit an einem Roman ist eine Erweiterung davon. Worte provozieren Bilder, und es ist faszinierend, wie unterschiedlich die Visionen der Menschen sind, auch die des Autors. Als Maler kann ich meine Interpretationen auf verschiedene Weise sichtbar machen. Bei 'City of Glass' habe ich mich manchmal an der Erzählung orientiert, aber auch an Figuren, Reisen, Ereignissen und Orten. Es gab Bilder, die durch einen Satz, ein Wort, sogar durch einzelne Buchstaben ausgelöst wurden und auf die Sprache der Literatur reagierten.

Bei 'City of Glass 63' geschah etwas Magisches: Nachdem ich die Inselform Manhattans in der Serie mehrfach gemalt hatte, bemerkte ich, dass der Rücken meines mit Farbe bespritzten Exemplars der 'New York Trilogy' die gleiche Form und die gleichen Proportionen wie der Central Park hatte, also malte ich ihn ein, als eine Art Tribut an die Quelle, die mich immer wieder herausforderte und inspirierte und auch zu meinem längsten Titel führte...

Mit '20 Books = 20 Paintings' beschloss ich, etwas anderes zu machen, und zwar mit einem einzigen Bild aus jedem Buch. Bei dieser Serie konzentrierte ich mich darauf, die charakteristische Farbpalette jedes Romans zu finden, wobei das Format mit zwei Leinwänden auf die Körperlichkeit von Büchern und den Akt des Lesens verweist. Die Serie basiert auf Krimis, die ich wie besessen lese, und ich suchte nach Quellen für Romane an Orten, die mich auf der ganzen Welt interessierten, darunter der Libanon, Japan und Namibia.

Natürlich gibt es Überschneidungen zwischen "City of Glass" und meiner "20 Books"-Serie: "BOOK 20 (colour-coded)" stammt aus "Ghosts", der zweiten Geschichte der "New York Trilogy". Auf faszinierende Weise sind alle Figuren nach Farben benannt, und in diesem Gemälde folge ich der Reihenfolge der Farben, wie sie auf den ersten Seiten erscheinen. Dieses Gemälde wurde letztes Jahr für die Wells Art Contemporary ausgewählt.

Die literarischen Assoziationen gingen City of Glass voraus: eine frühe Serie 'The Fear and Thrill of the Chase' wurde von John Fowles' The Magus und auch dem Joy Division-Album Closer beeinflusst, während 'Arizona' von einem fiktiven Kunstwerk inspiriert wurde, das in der Wüste in Don de Lillos epischem Roman Underworld entsteht.

In jüngerer Zeit befasste sich mein Gemälde "Out-With (aus "The Boy in the Striped Pyjamas" von John Boyne)" mit den Schrecken der Geschichte und der Dualität der Freundschaft an den schlimmsten Orten.

Ihre Serie City of Glass basiert auf der gleichnamigen Erzählung von Paul Auster. Was hat Sie an dieser Geschichte und diesem Autor besonders gereizt?

Jahrelang hatte ich mit der Unmöglichkeit gerungen, New York - ohne Klischee - zu malen, den Ort, den ich in den USA am besten kannte. Dann fand ich mit City of Glass aus Paul Austers Roman The New York Trilogy einen Weg hinein. Ich fand ihn visuell überwältigend und einfallsreich: Die Idee eines imaginären neuen Babel in New York, das da ist, aber nicht da ist, hat mich gefesselt. Das habe ich in der preisgekrönten 'City of Glass 1' umgesetzt, indem ich einen Turm in der Kartenansicht von Manhattan versteckt habe, der die Raster der Architektur und der Straße miteinander verbindet. Dann untersuchte ich die Form und das schwindelerregende Ausmaß dieses neuen Babels - jeder in Nordamerika hätte sein eigenes Zimmer! - indem ich Manhattan in wolkenkratzerförmigen Leinwänden unterbrachte. Ich folgte auch Paul Austers Erkundungen von Identität und Zufall: Ein Gemälde entstand, indem ich einfach eine Seite zufällig auswählte und auf den Text reagierte.

Man weiß nie, wie ein Künstler darauf reagiert, dass ein anderer sein Werk interpretiert, aber nachdem ich einen Katalog von 'City of Glass' an Paul Auster in New York geschickt hatte, war ich begeistert, folgende Antwort zu erhalten:

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Lieber Herr Hanson,

Ihre großartigen Bilder haben mich unglaublich bewegt. Sie sind stark und schön - und eindringlich. Der Gedanke, dass mein Buch solch lebendige Farben inspiriert haben könnte. Ich bin sehr glücklich.

Alle guten Gedanken an Sie,  

Paul Auster

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Ich liebe das Konzept der fließenden Übergänge zwischen den Genres...'City of Glass' wurde auch auf die Bühne gebracht, wo ich Paul Auster bei der Premiere in Manchester traf.

In Ihrem Werk tauchen immer wieder Darstellungen von Orten auf. War das schon immer der Fall?

Ort (und Farbe) - immer. Ich bin fasziniert davon, wie jeder Ort eine einzigartige Form hat, und ein Merkmal meiner Arbeit ist es, diese "Form des Ortes" neben einem Bild zu positionieren, um eine "Ganzheit" des Ortes zu definieren. Wenn Sie so wollen, habe ich meine architektonische Ausbildung nicht vergeudet, aber auch eine Anspielung auf Peter Lanyons "erfahrungsorientierte" Landschaften. Ich studierte Architektur in Manchester, als ich eine Ausstellung von Peter Lanyon sah und beschloss, Maler zu werden. Der Ort war in Lanyons Werk natürlich von größter Bedeutung, und sein Gemälde von Porthleven aus dem Jahr 1951 hat mich zu "Porthleven" geführt und den Anstoß zu meiner größten Serie gegeben.

Würden Sie sich selbst als abstrakten oder figurativen Maler bezeichnen oder als etwas anderes?

Ich war in den frühen Achtzigern am Canterbury College of Art, einer Zeit, in der die figurative Malerei ein Comeback erlebte, und ich vermute, dass meine Arbeit eine Mischung aus beidem ist, aber ich bin kein Freund von Etiketten. Meine Arbeiten werden oft als abstrakt wahrgenommen, da die Farbe dominiert und das "Bild" abstrahiert und fragmentiert ist, aber es ist immer da und notwendig und trägt zum Gemälde bei. Ich male nie direkt aus dem Thema heraus, ich male keine 'Dinge' oder 'Ansichten', sondern meine Bilder basieren alle auf der Erfahrung von etwas, mit Erinnerungen, Zeichnungen, Worten als Katalysator, Kontext, Struktur.

Ich mag den Ausdruck 'Colourscapes', um meine Arbeit zu beschreiben, den ich für meine Einzelausstellungen in Cornwall verwendet habe.

Gab es Momente oder Menschen, die Ihrer Meinung nach die Art und Weise, wie Sie heute malen, geprägt haben?

Ein Tutor, Tom Watt, der mit seinem Malkasten am Strand von Deal zauberte. Stass Paraskos, der mich in die Werke von Henri Matisse und Pierre Bonnard und in die Abstammung der Farben einführte. Ein Vortrag von Terry Frost über die gelben Farben Cornwalls. Die scharfsinnigen Texte des Kritikers Robert Hughes. Diebenkorn im Whitechapel, Munch in Oslo, Matisse und Chaïm Soutine in New York. Frank Auerbach. Das Boise Travel Scholarship der Slade, das mich zu meiner Serie 'Americascapes' inspiriert hat. Als Künstler haben wir alle Einflüsse, wobei die gesamte Kunstgeschichte als Ressource dient... solange wir nicht nach Antworten suchen. Wir müssen unsere Antworten in unserer inneren und äußeren Welt und in dem Rechteck vor uns finden.

Welchen Eindruck erhoffen Sie sich, wenn jemand Ihre Arbeit zum ersten Mal sieht?

Eine visuelle Erfahrung, die Vergnügen und Fragen hervorruft, die sowohl die Sinne als auch den Intellekt anspricht... Etwas zu finden, das Freude macht, rätselhaft und anders ist, mit Farben, die die Augen fesseln.

Worauf freuen Sie sich in diesem Jahr - was machen, sehen oder zeigen Sie?

Ich freue mich sehr darauf, meine neuen Arbeiten in 'REVEALED' zu zeigen, einer Zusammenarbeit mit Sophie Capron in der Crypt Gallery St. Ives vom 22. bis 28. April.

Im Mai werde ich zwei Malkurse in Porthleven und Port Isaac geben. Als Teil meiner Lehrtätigkeit arbeite ich immer an einem neuen Gemälde, so dass wir bald 'Porthleven 68' sehen werden.

Ich liebe das Konzept '20 Bücher = 20 Gemälde', und da ich möchte, dass es immer 20 Gemälde in der Serie gibt, müssen ein paar der jüngsten Verkäufe ersetzt werden. Gute Kandidaten sind Sacred Games von Vikram Chandra - was ist die Farbpalette von Bombay? - und die Laidlaw-Serie von William McIlvanney. Außerdem möchte ich mich mit der ikonischen Figur des George Smiley aus den Romanen von John le Carré befassen, und ich kann mir vorstellen, dass daraus eine neue Serie entsteht.

Ein Muss für mich sind die Ausstellungen 'Soutine | Kossoff' in Hastings, Peter Doig in der Courtauld Gallery und natürlich 'After Impressionism: Inventing Modern Art' in der National Gallery.