Zweideutigkeit und Realismus mit Lasse Thorst

"Ich liebe es, dass ich es mit einem Pinselstrich versauen kann. Aber ich kann es auch retten: Es steht etwas auf dem Spiel." Es ist ein sonniger, kühler Freitagmorgen, und ich sitze in Lasse Thorsts lichtdurchflutetem Atelier in Aalborg, Dänemark, und wähle Werke für seine bevorstehende Markteinführung aus. Vor uns liegt Portrait, ein Gemälde in Öl auf Papier, das eine Figur mit unklaren Gesichtszügen zeigt, deren leicht amorpher Hemdkragen den gleichen Blauton hat wie ihr Gesicht. Wir sprechen darüber, wie unversöhnlich das Arbeiten auf Papier sein kann. Im Gegensatz zu Leinwand oder Karton lassen sich Spuren auf Papier nur schwer überarbeiten oder abkratzen, ohne Spuren zu hinterlassen. Jede Markierung ist unauslöschlich und kann nicht rückgängig gemacht werden, wenn sie einmal aufgetragen wurde.

Es ist die Fortsetzung eines Gesprächs, das am Abend zuvor damit begann, dass der Künstler mir Egon Schieles Schlafendes Paar zeigte, eine Zeichnung aus dem frühen 20. Jahrhunderts. 80 % des Bildes werden von einem Stück unmarkierten Papiers eingenommen, das als Decke dient und das Paar einhüllt. Thorsts Porträt ist ähnlich sparsam: Wangen und Kiefer sind leer, die Gesichtszüge in schwankenden, monochromen Strichen wiedergegeben, Ohren und Hut nicht klar vom Gesicht getrennt. Offensichtlich denkt dieser Künstler, dessen Gemälde eines blauen und vage gezeichneten Gesichts ich betrachte, nicht daran, dass Malen ohne Realismus bedeutet, es zu vermasseln.

Nun, das hängt davon ab, wie man "realistisch" definiert. Es gibt einen Realismus in Thorsts Werk, der wenig damit zu tun hat, die Dinge einfach so darzustellen, wie sie erscheinen. Mehrdeutigkeit gibt es überall, und vielleicht sind die ehrlichsten Gemälde diejenigen, die sie zulassen. Er steht in einer jahrhundertealten Tradition von Malern, die den einfachen Realismus vermieden und unerwartete Farben und Formen verwendeten, um die Welt wahrheitsgetreu abzubilden. Er erzählt mir, dass Norwegen Edvard Munch hatte und Deutschland Emil Nolde, und in Dänemark, zwischen den beiden Ländern, wird er von beiden Künstlern beeinflusst.

Er erklärt seine Malerei mit einem Zitat, das Miles Davis zugeschrieben wird: "Es ist nicht die Note, die man spielt, die falsch ist - es ist die Note, die man danach spielt, die sie richtig oder falsch macht." Er möchte lieber etwas schaffen, das aus sich selbst heraus Sinn macht - etwas Harmonisches - als etwas, das einfach nur "richtig" ist. Der persönliche Stil ist wichtig, ebenso wie die Darstellung. So finden sich in seinen Gemälden Figuren und Räume in unerwarteten Farben und Formen und in unwahrscheinlichen Situationen (man denke nur an Moth Honey, bei dem der Mund des Protagonisten von einem geflügelten Insekt verdeckt wird, das günstig platziert ist). Thorst weicht eindeutig davon ab, die Dinge so zu malen, wie er sie sieht, aber, wie er mir sagt, "ich finde immer wieder nach Hause". Dieses Zuhause ist keine Realität, mit der ich wirklich vertraut bin - es ist eine neue, in der nicht viel zu erkennen ist, aber nichts fühlt sich falsch an.

Die Menschen, die Thorst malt, basieren auf Archetypen und Stammfiguren aus Folklore, Literatur und Kunst. "Es sind symbolische Figuren", erklärt er mir, "wir alle kennen sie." Und es stimmt, ich erkenne Figuren wie den Clown, den Zauberer und den Künstler in seinen Bildern wieder und bringe meine eigenen Vorstellungen von ihnen in meine Erfahrung mit dem Werk ein. Auch hier beeindruckt mich die Art und Weise, wie der Künstler seine eigene, eigenwillige Art von Realismus in die Gemälde einwebt. In Thorsts Worten: "Wir fühlen uns bei ihnen sicher", weil wir sie als Teil einer Welt betrachten, die zwar nicht unsere eigene ist, mit der wir aber jeder auf seine Weise vertraut geworden sind. Dies ist eine Art von Realismus, der über das Äußere hinausgeht und es dem Betrachter ermöglicht, sich mit den Bildern auf seine Weise auseinanderzusetzen. Hier trifft die Welt von Thorst auf die Welt des Betrachters.

Die Gemäldeserie, die den Auftakt bildet, dreht sich um den Nachtschatten, eine Pflanzenfamilie, zu der Früchte und Gemüse, Zierblumen, psychoaktive und giftige Substanzen gehören. Alle Bilder sind in der Nacht angesiedelt, wobei die untergehende Sonne in Sea Change den Einstieg in die Geschichte bildet. Die charakteristischen geriffelten, trichterförmigen Blüten des Nachtschattengewächses sind in fast allen Werken zu sehen und haben, wie die Figuren, die sie umgeben, eine symbolische Bedeutung, die über das Bild hinausgeht. Sie stehen für eine Art Ambivalenz - sie sind schön, tödlich, nahrhaft, bewusstseinsverändernd. In den Händen von Thorsts Figuren ist es schwierig zu wissen, wie sie verwendet werden oder bereits verwendet wurden. Sind sie bedrohlich oder freundlich? Sind diese Szenen real oder das Produkt eines nächtlichen Trips? "Das macht die Nacht mit einem", lacht Thorst und lässt mich mit einem Gefühl der Unklarheit zurück, das irgendwie realer ist als jede eindeutige Antwort.