SINNE UND BIOPHILIE | Laura Basterra Sanz

Ihre Arbeit beschäftigt sich mit dem unsichtbaren Leben der emotionalen und sensorischen Erfahrungen. Wie übersetzen Sie solche nicht greifbaren Gefühle in den physischen Akt der Malerei?

Nun, das ist etwas, was ich getan habe, ohne es anfangs zu merken. Für mich ist das Malen eine körperliche Tätigkeit. Ich beginne nicht mit einem Gedanken - einem Plan - oder der Absicht, etwas Bestimmtes umzusetzen; ich bereite einfach eine Leinwand vor und beginne, meinen Impulsen und Wünschen folgend. Ich fühle mich gut, wenn ich ganz in diese Tätigkeit eingetaucht bin. Im Laufe der Jahre habe ich gemerkt, dass ich Empfindungen übersetze. Zu verschiedenen Zeiten habe ich meine Organe, wie meine Lunge und meine Nieren, dargestellt. Ich habe sogar erkennbare Gesichter gemalt, ohne sie anfangs zu bemerken; ich musste die Leinwand drehen, um sie zu sehen. Im Grunde male ich also das, was mich beeindruckt - nicht aus freien Stücken, sondern weil es sich von selbst ergibt. 

Ich bin ein hochsensibler Mensch, und das bedeutet viele Dinge - eines davon ist, dass meine Sinne geschärft sind. Ich nehme viel mehr Informationen auf als der Durchschnittsmensch, sei es die Energie in einem Raum oder die subtilen Veränderungen in den Stimmungen, Gefühlen oder Absichten der Menschen. Die Malerei ist meine Art, die Reizüberflutung zu verdauen. Ich finde es faszinierend zu sehen, wie diese unsichtbaren Aspekte des Lebens in Form eines Bildes Gestalt annehmen. Es ist wie eine Kreuzung der Sinne - man riecht Musik oder schmeckt ein Bild. Es fühlt sich an wie ein alchemistischer Prozess, als würde ich ein Bild kochen. Ich könnte wahrscheinlich auch etwas anderes malen, aber es würde sich nicht authentisch anfühlen. Außerdem liebe ich den Nervenkitzel, wenn etwas, das ich noch nie zuvor gesehen habe, vor mir erscheint.

Sie beschreiben Ihre gestischen abstrakten Gemälde als Ermutigung zur Entfaltung der „Intelligenz des Körpers“. Wie fließt Ihr Körper in Ihren Prozess ein, und sehen Sie ihn als Ausdrucksmittel oder als Kollaborateur?

Die Art und Weise, wie Sie die Frage stellen, erweckt den Eindruck, als sei mein Körper etwas von mir Getrenntes, wie ein Werkzeug, das ich benutze, fast so, als sei mein Körper ein Pinsel. Aber so ist es nicht. Es geht eher darum, Raum für meine Energie zu schaffen, damit sie sich auf der Leinwand ausbreiten kann. Auf diese Weise stelle ich dar, wer ich in meiner ganzen Komplexität und in meinem Kontext bin - jenseits von materialistischen Konstrukten wie Geschlecht oder Glaubenssystemen. Vielleicht funktioniert es auch auf einer energetischen Ebene.

Mein Atelier ist ein sicherer Raum, in dem ich Authentizität erforschen kann, was auch immer das in jedem Moment bedeutet, einschließlich authentischer Bewegung. Egal, ob mir an einem Tag nach Tanzen zumute ist oder am nächsten Tag nach Stillsitzen, all diese emotionalen Zustände finden ihren Weg in meine Arbeit.

Meine Praxis wird auch dadurch geprägt, dass ich mit meinem Körper experimentiere - durch Yoga, Meditation und Atemübungen - die mir helfen, meinen Geist und meinen Körper zu verbinden. Diese Verbindung ist für mein Wohlbefinden unerlässlich, zumal ich dazu neige, in meinem Kopf zu leben. Unser Körper ist unglaublich intelligent, und wenn ich aufmerksam bin, leiten mich die Empfindungen zu den besten Entscheidungen und Ergebnissen bei meiner Arbeit.

Wie äußert sich Ihre Faszination für das Fließende in Ihrer Malerei, und sehen Sie das Konzept des Fließens als Metapher für Ihr emotionales oder kreatives Leben?

Das Fließende spiegelt für mich die Essenz des Lebens wider. In meiner Malerei strebe ich sowohl bei der Entscheidungsfindung als auch bei den Materialien nach Fluidität. Ich suche den Kontakt zum Wasser, sowohl beim Malen als auch bei der Wahl meines Ateliers, da der Kontext meine Arbeit stark inspiriert. Dies mag erklären, warum ich nicht gerne mit trockenen Medien arbeite oder mich an trockenen Orten aufhalte und warum ich Farbe bevorzuge.

Seit ich nach Belgien gezogen bin, bin ich mir der Elemente viel bewusster geworden, insbesondere des Wassers und des Windes, die hier viel präsenter sind als in Barcelona. Durch die freiwillige Mitarbeit in zwei Permakulturprojekten nach meinem Umzug habe ich auch viel über die Natur gelernt. Jetzt verbringe ich viel Zeit damit, durch den Sonian Forest zu wandern und auf Bäume, Pflanzen, Insekten und Tiere zu achten, was meine Verbindung zur natürlichen Welt und den Elementen vertieft. Ich fahre auch oft an die Küste, um die leeren, weiten Strände, die Gezeiten, die Dünen und den Wind zu erleben. Fluidity fühlt sich eher wörtlich als metaphorisch an, obwohl es vielleicht auf beiden Ebenen gleichzeitig funktioniert.

Das Konzept der Freiheit ist ein zentrales Thema Ihrer Untersuchung. Ist Ihrer Meinung nach wahre Freiheit eine physische Erfahrung oder eher ein mentales Konstrukt? Wie entfalten sich diese philosophischen Fragen in Ihrer Arbeit?

Ich glaube, dass Freiheit eine körperliche Erfahrung sein muss. Ich versuche, dieses Gefühl der Freiheit durch Bewegung und Aktion zu verkörpern, wenn ich im Atelier bin. Das spiegelt sich in meiner Arbeitsweise wider - in meiner Methodik beim Malen und bei der Verwendung von Text - fast so, als ob niemand zuschaut. Meine Pinselstriche tragen in gewisser Weise diese Qualität in sich, als ob die Freiheit ein Teil meiner DNA wäre, die in ihnen steckt. Das ist etwas, wonach ich in meiner Praxis strebe, und ich hoffe, dass ich diese Erfahrung der Freiheit auch in meine Beziehungen zu anderen einbringen kann.

Farbe spielt in Ihrer Arbeit eine zentrale Rolle als Darstellung von Frequenz oder Energie. Wählen Sie die Farben bewusst auf der Grundlage dieser energetischen Qualitäten aus, oder ergeben sie sich eher intuitiv durch Ihren Prozess?

In letzter Zeit habe ich mich mit dem Begriff „Intuition“ auseinandergesetzt. Sie ist sowohl für meine künstlerische Praxis als auch für mein Leben von entscheidender Bedeutung, kann aber in der Malerei unterbewertet werden. Wenn ich auf meine Intuition höre, treffe ich oft Entscheidungen. Das fühlt sich richtig an und macht mir Freude; es fühlt sich wie meine beste Form der Intelligenz an. Ich mache mir jedoch Sorgen, dass das alleinige Verlassen auf meine Intuition einen Mangel an Anstrengung oder Tiefe in meiner Arbeit suggerieren könnte.

Ich glaube, dass es ein bedeutendes Unterfangen ist, mich wirklich auf meine Intuition einzulassen. Ich nehme mir oft Zeit, um durch die Straßen zu gehen und mich von meinen Instinkten leiten zu lassen, ohne einen bestimmten Plan zu haben. Das ist nicht nur eine Art zu leben, sondern auch eine stille Rebellion gegen die Dominanz des rationalen Verstandes - der linken Gehirnhälfte, die immer noch zu viel Einfluss auf unser Leben hat. Wenn ich die Natur betrachte, sehe ich nicht den rationalen Verstand am Werk, und doch funktioniert die Natur perfekt. Intelligenz umfasst für mich viel mehr als nur Logik; Intuition fühlt sich wie eine natürliche, innere Intelligenz an.

Wenn es um Farben geht, wähle ich bewusst Farbtöne auf der Grundlage ihrer energetischen Schwingungen. Ich fühle mich zu bestimmten Farben hingezogen, und diese Anziehungskraft wechselt häufig. Ich verbringe viel Zeit damit, in Skizzenbüchern zu malen und mit einer breiten Farbpalette zu experimentieren, um mich visuell zu schulen. Ich habe gelernt, dass das alleinige Verlassen auf den Verstand bei der Farbauswahl den Zauber unerwarteter Entdeckungen während des Prozesses verhindern kann - vor allem, wenn ich Farben als Reaktion auf den Moment mische.

In Ihrer textbasierten Kunst bringen Sie eine tiefe Verbundenheit mit der Musikalität der Sprache zum Ausdruck. Könnten Sie erläutern, wie diese Klangfülle und dieser Rhythmus Ihre Arbeit mit Worten beeinflussen, und gibt es dabei Überschneidungen mit Ihrem Ansatz in der bildenden Kunst?

Ich denke, es geht darum, wie viel Aufmerksamkeit man dem Klang schenkt, wie gut das Gehör geschult ist und das subtile Bewusstsein für Musikalität. Vielleicht hat es auch etwas mit der Art und Weise zu tun, wie mein Gehirn funktioniert, aber dazu kann ich nicht viel sagen. Als ich geboren wurde, spielte meine ältere Schwester bereits zu Hause Klavier, und das tat sie auch während meiner gesamten Kindheit. Ich habe auch eine Zeit lang Klavier gespielt, und Musik war immer präsent - wir hatten ständig Schallplatten laufen. In vielerlei Hinsicht ist die Musik mein Begleiter gewesen. Sie lehrt mich, hilft mir, Ideen zu verbinden, und ruft Gefühle hervor. Ich habe mich schon immer zu rhythmischen Klängen und Mustern hingezogen gefühlt, und ich glaube, ich habe von Natur aus einen Sinn für Beats.

In meiner künstlerischen Praxis fühlt sich der Text wie ein Beat an - strukturiert und rhythmisch -, während die abstrakte Malerei die Melodie darstellt, fließend und emotional. Ich betrachte meine Arbeit oft als visuelle Musik, bei der sich die beiden Bereiche überschneiden. In meinem Kopf gibt es eine Verbindung zwischen Text, Klang und visueller Kunst, die ich noch nicht vollständig analysiert habe, aber ich denke, sie hängt mit der Beziehung zwischen Körper und Geist zusammen, die mich sehr interessiert.

Sie sagen: „Wir sind die Natur“. Wie sehen Sie die Rolle der Natur, nicht nur als Subjekt, sondern als aktive Teilnehmerin in Ihrer Kunst, insbesondere in Ihren Installationen?

Wenn ich sage: „Wir sind die Natur“, dann denke ich daran, wie unsere organischen Körper von selbst funktionieren und die Rhythmen und Zyklen der natürlichen Welt widerspiegeln. Es ist erstaunlich, darüber nachzudenken! Im Gegensatz dazu gibt es eine starke Dissonanz, wenn wir in Betondschungeln leben, umgeben von Autoabgasen und harten Kanten - es fühlt sich so weit weg von unserem Wesen an.

Mit meinen Installationen möchte ich Räume schaffen, in denen sich die Menschen mit einem Gefühl der Freiheit verbinden und über ihren emotionalen Zustand im gegenwärtigen Moment nachdenken können. Ich lade andere dazu ein, sich auf ihre Sinne einzustellen, und ermutige sie zu einer tieferen Präsenz. Dieser Ansatz ist eine natürliche Erweiterung der Art und Weise, wie ich mein Leben lebe.

Sie erwähnen, dass die Auflösung in Ihrer Arbeit „organisch aus dem Prozess des Malens selbst erwachsen“ muss. Können Sie diesen Ansatz erläutern?

Am Anfang war mein Ansatz eher dem Action Painting zuzuordnen. Ich musste Gefühle des Unbehagens physisch wegwerfen, und diese Technik gefiel mir. Mit der Zeit experimentierte ich mit verschiedenen Untergründen und Zuständen - ich malte still, sitzend oder stehend, auf dem Boden, an der Wand, auf einem Tisch oder stehend, während ich auf einem Tisch malte. Ich erforschte auch das Malen aus verschiedenen emotionalen Zuständen heraus, wobei ich dieses Vokabular selbst entwickelte. Ich habe gelernt, dass übermäßiges Nachdenken über ein Bild selten zu zufriedenstellenden Ergebnissen führt, und ich habe erkannt, wie wichtig es ist, loszulassen, wenn ich nicht weiterkomme.

Ich glaube, dass Vertrauen der Schlüssel ist, und ich habe es durch Übung gewonnen. Meine Gesten sind mit der Zeit kühner und sicherer geworden, so dass ich besser unterscheiden kann, was ich behalte und was ich verwerfe. Ich habe auch erkannt, dass meine Spontaneität und meine Verspieltheit innerhalb eines Rahmens funktionieren - eine Methode, die ich entwickelt habe und die sich mit mir weiterentwickelt. Auch wenn meine Arbeit spontan erscheinen mag, basiert sie auf Vorbereitung durch Körperarbeit, gesunde Gewohnheiten und Übungen wie Morgenseiten oder intuitive Spaziergänge. Das bedeutet nicht, dass ich mich nicht abmühe; das tue ich oft, aber ich kehre immer zu dem zurück, was sich richtig anfühlt.

Ich bin zu der Überzeugung gelangt, dass jeder Künstler seine eigene Methode zum Schaffen finden muss. Das wurde mir klar, nachdem ich viele Künstlerateliers besucht hatte. Ich dachte immer, das sei selbstverständlich, aber ich habe gelernt, dass es nicht für jeden gilt. Künstler, die sich in ihrer Praxis verloren fühlen, zwingen sich vielleicht zu etwas, das ihnen nicht in den Schoß fällt, was meiner Meinung nach der falsche Ansatz ist. Ob in der Kunst oder im Leben, etwas zu erzwingen führt selten zu einer echten, organischen Entwicklung.

Inwiefern dient Ihr kreativer Prozess als Mittel zur Selbstbeobachtung oder persönlichen Veränderung? Finden Sie, dass er Ihnen hilft, Ihre eigenen Erfahrungen zu verstehen oder zu verarbeiten, genauso wie er sie für andere zum Ausdruck bringt?

Für mich ist das Schaffen ein Dialog zwischen meiner linken und rechten Gehirnhälfte - zwischen Gedanken und Gefühlen oder dem, was ich als Gleichgewicht zwischen männlichen und weiblichen Energien sehe. Dieser Prozess fühlt sich wie eine Form der Selbsttherapie an, ein stiller, aber tiefgreifender Weg, mich selbst besser zu verstehen, ohne darüber sprechen zu müssen. Diese introspektive Reise entspricht dem, was Dr. Elaine Aron als die Erfahrung eines hochsensiblen Menschen beschreibt, bei dem ein ständiges Streben nach Einsicht und Verständnis besteht.

Ja, ich glaube, meine Arbeit hilft mir, meine Erfahrungen zu verarbeiten. Ich bin mir jedoch weniger sicher, wie viel davon andere erreicht. Während viele Künstler hoffen, dass ihr Publikum seine eigenen Bedeutungen findet, geht es mir weniger um eine bestimmte Interpretation. Meine Hoffnung ist einfach, dass meine Arbeit auf einer sinnlichen Ebene ankommt.

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass Menschen, die ähnliche Empfindungen haben, sich mit meiner Arbeit identifizieren können. Ich habe positive Rückmeldungen von angesehenen Persönlichkeiten aus der Branche erhalten, aber ich versuche, mich nicht damit zu beschäftigen, wie andere sie wahrnehmen. Für mich ist das Wichtigste, dass meine Kreationen meiner Person entsprechen.