Geschichten sticken: Heilung durch Farbe und Faden mit Sophie Anne Wyth

Ihre künstlerische Praxis begann mit Kunsttherapie, die Spontaneität in Ihre Arbeit einführte. Wie beeinflusst diese Spontaneität Ihren Prozess, wenn Sie ein neues Gemälde angehen?

Ihr Einfluss ist grundlegend, da sie es mir ermöglicht, zu schaffen, ohne mir Gedanken über das Ergebnis zu machen. Mit der Zeit wurde meine Arbeit deutlich zielgerichteter, doch ich habe mir von diesem ursprünglichen Ansatz die Energie bewahrt, einfach zu beginnen, und vermeide so jede Form von Blockade. Ich gebe mir die Freiheit, Fehler zu machen, Freude an der Malerei zu empfinden und mich ganz auf den kreativen Akt selbst zu konzentrieren.

Ihre Kunst vereint abstrakte und figurative Stile. Wie entscheiden Sie, welche Herangehensweise Sie bei der Erkundung von Themen wie Psychologie, Sexualität und Liebe wählen?

In den letzten Jahren habe ich mich von der figurativen Kunst entfernt. Momentan fasziniert mich, wie Farben nebeneinander vibrieren, wie manche hervorstechen und andere zurücktreten, und was dies aussagt. Mein Fokus liegt derzeit auf dem Gleichgewicht von Formen und darauf, Harmonie zu schaffen. Ich möchte die Fragilität eines Augenblicks darstellen, zeigen, dass alles in Bewegung und Veränderung begriffen ist. Mein Ziel ist es, die Schönheit, die Angst und die Essenz des gegenwärtigen Moments einzufangen.

Sie haben erwähnt, dass Ihr Hintergrund in der Modewelt Ihre Kunst beeinflusst, insbesondere in Bezug auf Eleganz und Strenge. Wie prägt Ihre Erfahrung in der Mode Ihre Malweise und die Komposition Ihrer Gemälde?

Die Verbindung zwischen Mode und Kunst ist keine bewusste. Lange Zeit habe ich sie als völlig getrennte Bereiche betrachtet. Kürzlich habe ich angefangen, statt mit Farbe mit Fäden und Stickereien zu arbeiten, um abstrakte Werke zu schaffen. Diese „weichen Gemälde“ zu erschaffen, war befreiend, da ich dabei meine Nähkenntnisse genutzt, aber bewusst keine klassischen Stickregeln befolgt habe. So konnte ich erneut Freiheit und Spielfreude in meine Arbeit einbringen.

Vor allem ist es mir wichtig, dass meine Kunst eine gewisse Eleganz bewahrt. Meine Striche sind bedacht und in gewisser Weise gezügelt, um sicherzustellen, dass der Betrachter in einer bestimmten Ästhetik gehalten und verankert wird. Ich weiß nicht, ob das daran liegt, dass ich aus der Modewelt komme, oder ob ich in dieser gelandet bin, weil mir dieses Konzept wichtig ist. Doch ich bin fest davon überzeugt, dass Schönheit unser Leben massiv beeinflusst und dass die Umgebung, in der wir uns bewegen, uns entweder unterstützt oder behindert.

Ihr Werk wurde als eine Verbindung von Eleganz und Rauheit beschrieben. Wie schaffen Sie es, diese gegensätzlichen Qualitäten in Ihren Gemälden in Einklang zu bringen, und wie spiegeln sie Ihre persönliche oder emotionale Landschaft wider?

Ich denke, das ist ein Ausdruck der fortwährenden Suche nach mir selbst, die sich in meiner Arbeit zeigt. Jedes Gemälde ist ein innerer Kampf, ein Versuch, näher an das heranzukommen, was ich wirklich sagen möchte. Es ist faszinierend, dass sich die Bedeutung eines Werkes erst im Entstehungsprozess offenbart. Ich bin immer wieder überrascht von meinen eigenen Arbeiten, und ich glaube, genau deshalb mache ich weiter. Mit jedem Gemälde verstehe ich mich selbst und die Welt ein Stück besser.

Der Schlüssel liegt darin, nicht zu denken, sondern zu fühlen und sich von innen heraus leiten zu lassen. Das Unbehagen kann subtil sein, hervorgerufen durch Farben, die nur leicht „falsch“ wirken – nicht vollständig unangenehm, aber auch nicht völlig harmonisch.

Die menschliche Psychologie scheint im Mittelpunkt Ihrer Arbeit zu stehen. Wie bringen Sie persönliche emotionale Erfahrungen oder breitere psychologische Themen in Ihre Kunst ein, ohne dabei zu wörtlich zu werden?

Das Thema durchströmt mich, und ich entdecke erst am Ende des Werks, was ich die ganze Zeit über ausdrücken wollte. Ich bin nie zu wörtlich, wenn ich meine Hand von der Intuition leiten lasse. Eine Farbe ruft nach einer anderen, eine Form nach der nächsten. Keines dieser Elemente hat für sich genommen eine konkrete Bedeutung; sie sind Momente und Gedanken, die in Bilder umgewandelt werden. Meine Arbeit ähnelt einer Meditation, die im Moment gelebt wird und von innen heraus Bedeutung offenbart.

Es erstaunt mich immer wieder, wie jedes Werk interpretiert werden kann, wie sich das Thema, mit dem ich im Hintergrund stillschweigend gearbeitet habe, nach Fertigstellung in Worte fassen lässt. Oft erkenne ich erst dann, was ich tatsächlich eingefügt habe. Deshalb vergebe ich die Titel immer erst nach Abschluss des Werkes, wenn ich es verstehe. Jedes Gemälde ist eine Suche – einige liefern Antworten, die meisten werfen jedoch noch mehr Fragen auf!

Empfinden Sie Ihre Kunst als eine Form emotionaler Katharsis oder persönlicher Offenbarung, ähnlich wie es bei der Kunsttherapie der Fall sein könnte?

Meine Kunst hat ihren Ursprung in der Therapie, hat sich aber seitdem weiterentwickelt. Es gibt eine innere Suche, doch ich denke inzwischen viel mehr an mein Publikum und gestalte meine Arbeit so, dass sie empfangen werden und dem Betrachter etwas bringen kann. Für mich ist es keine Therapie, sondern eine Möglichkeit, mit mir selbst und meinen Emotionen in Verbindung zu bleiben. Ich würde es mit Meditation vergleichen – sie ersetzt keine eigentliche Therapie, ist jedoch eine wichtige Unterstützung, um ein erfülltes Leben zu führen.

Sie haben sowohl in Einzelausstellungen als auch in Gruppenausstellungen, wie etwa der Every Woman Biennial, ausgestellt. Glauben Sie, dass diese unterschiedlichen Kontexte – solo versus kollektiv – die Wahrnehmung Ihrer Arbeit beeinflussen?

Bei einer Einzelausstellung gehört Ihnen der gesamte Raum, was es ermöglicht, ein Gespräch zwischen den einzelnen Werken zu schaffen. In einer Gruppenausstellung wie der Every Woman Biennial sind Sie Gast unter vielen, und Ihr Werk tritt in Resonanz mit anderen Arbeiten, die Sie vor der Ausstellung nicht kannten. Ich mag das Element der Entdeckung bei Gruppenausstellungen – zu sehen, wie mein Werk in Beziehung zu den anderen gesetzt wird. Es ist auch eine großartige Möglichkeit, entdeckt zu werden und hervorragende Künstler kennenzulernen. Beide Formate sind wichtig.

Sie waren Finalistin für renommierte Auszeichnungen wie den Celeste Prize. Wie hat diese Anerkennung Ihre künstlerische Reise und Entwicklung beeinflusst?

Anerkennung ist wichtig, sie hilft dabei, an sich selbst zu glauben. Jede externe Bestätigung und jedes Lob von Gleichgesinnten gibt mir einen Schub in die richtige Richtung. Dennoch ist es entscheidend, die Erfolge zu genießen, ohne dabei das nächste Ziel aus den Augen zu verlieren, und niemals selbstzufrieden zu werden. Ich versuche einfach, jede Etappe des Weges zu schätzen.

Haben Sie anstehende Ausstellungen oder Projekte, bei denen Sie neue Themen oder Techniken erforschen werden?

Ich würde gerne eine größere Version meiner Arbeiten mit Nadel und Faden entwickeln. Es wäre spannend, Garn in verschiedenen Breiten zu verwenden, um die Größe der Pinsel nachzuahmen und mehr Textur einzubringen. Meine bisherigen Stickarbeiten sind kleiner und wurden gerade in einer Gruppenausstellung in den Southwark Park Galleries gezeigt. Ich werde weiterhin das Thema Bewegung und Fragilität in meinen abstrakten Ölgemälden auf allen Maßstäben erkunden.

Ihre Arbeit spiegelt Ihre persönlichen Erfahrungen und Emotionen wider. Wie sehen Sie die Entwicklung Ihrer Themen oder Ihres Stils in der nächsten Phase Ihrer künstlerischen Praxis? Und welchen Herausforderungen begegnen Sie, wenn Sie persönliche Erfahrungen mit der Öffentlichkeit teilen?

Ein wiederkehrender Aspekt meiner Arbeit ist, dass sie mich selbst überrascht. Genau das fasziniert mich: die ständige Entdeckung meiner Werke und der Teile von mir, die sie offenbaren. Mein Stil entwickelt sich, ohne dass ich es bewusst steuere. Ich entscheide mich nicht aktiv, einen neuen Stil oder andere Methoden einzuführen – das kommt von innen, und ich folge diesen Impulsen. Früher habe ich manche Gesten oder eine gewisse Fluidität nicht zugelassen. Ich war erstaunt, als sie ein paar Jahre später, als ich bereit war, wieder auftauchten.

Was das Teilen persönlicher Erfahrungen angeht, ermöglicht die Abstraktion, wörtliche Darstellungen zu vermeiden, sodass ich mich nicht zu sehr exponiert fühle.

Haben Sie anstehende Ausstellungen oder Projekte, bei denen Sie neue Themen oder Techniken erforschen werden?

Ich würde gerne eine größere Version meiner Werke mit Nadel und Faden entwickeln. Es wäre interessant, Fäden mit unterschiedlichen Breiten zu verwenden, die die Größe von Pinseln nachahmen und so mehr Textur schaffen. Meine aktuellen Stickereien sind kleiner und wurden kürzlich in einer Gruppenausstellung in den Southwark Park Galleries gezeigt. Ich werde weiterhin Bewegung und Fragilität in meinen abstrakten Ölgemälden erforschen, und das in allen Größenordnungen.