Der Bildhauer verwandelt traditionelle Materialien wie Marmor und Stein in hyperrealistische Darstellungen flüchtiger Objekte wie Pappkartons, Blisterverpackungen und Plastikbecher – Dinge, die wir einmal benutzen und dann achtlos wegwerfen, ohne an ihren endgültigen Bestimmungsort zu denken, während sie von unseren Händen in die gierigen, hungrigen Mäuler unserer Mülltonnen wandern.
Indem Waugh die Beständigkeit von Stein und Marmor mit der Vergänglichkeit von Wegwerfobjekten gegenüberstellt, schafft er einen offenen und dissonanten Dialog zwischen Werk und Betrachter über Konsumkultur, Materialwert und soziale Normen.
Es ist schwer, sich nicht von den intensiven sinnlichen Dimensionen von Waughs Werken einfangen zu lassen. Die filigranen Details in seiner Serie Anthropocene, auf die ich mich in diesem Artikel konzentriere, bewahren die flüchtigen Spuren menschlicher Nutzung – fast wie Fossilien unseres Konsums. Jede seiner Skulpturen, von zerknitterten „Papp“-Kartons bis hin zu Mülltonnen, besitzt einen dokumentarischen Charakter, ohne dabei faktisch oder historisch zu sein. Sie hinterfragen unsere Vorstellung von Wegwerfkultur frontal, ohne direkt etwas zu erklären – meine liebste Art intellektueller Auseinandersetzung, bei der man erst merkt, dass man provoziert wurde, wenn es schon zu spät ist, um gedanklich zurückzukehren.
Ihre subtile Erzählkraft hat fast etwas Magnetisches; jede Form trägt eine Resonanz, die sich wie eine Erinnerung anfühlt – vielleicht an die Dinge, die wir als Konsumenten achtlos missbraucht, ungenutzt gelassen oder unangetastet in ihrer Verpackung weggeworfen haben, bevor wir sie den örtlichen Müllmännern übergeben. Aus den Augen, aus dem Sinn. Der Hyperrealismus ist… unwirklich. Die staubige, rostige Erscheinung von Eisenstein, der polierte, industriell anmutende Glanz von weißem Marmor – meisterhaft geglättet oder verkrustet von Waugh – wirken unheimlich. Erst wenn man näher herantritt, erkennt man, dass es sich nicht um weggeworfene Relikte aus vergangenen Tagen handelt, sondern um exquisite Darstellungen.
„Ich liebe es, die Veränderung in der Wahrnehmung zu sehen, wenn Menschen mit meinen Werken interagieren. Wenn jemand einen Pappkarton in einer Galerie sieht, bestätigt das oft seine Vorurteile gegenüber zeitgenössischer Kunst. Aber dann berührt er ihn, setzt sich mit ihm auseinander und erkennt, dass es so viel mehr ist, als es auf den ersten Blick scheint. Etwas, das sie für wertlos hielten, wird plötzlich tiefgründig und erhält eine neue Bedeutung; etwas, das keinen Wert hatte, wird unglaublich bedeutend.“
Die Größe spielt ebenfalls eine Rolle. Überlebensgroße Werke haben eine etwas andere Wirkung, sie verbinden die Kühnheit der Pop Art mit einer unerwartet griechisch-archäologischen Qualität. Indem er Wegwerfobjekte in wertvollen Materialien verewigt und ihre Dimensionen vergrößert, verwandelt er das Alltägliche in Monumentales. Nach der Betrachtung dieser Werke gibt es diesen seltsamen Moment, in dem man nicht anders kann, als zu denken: Wow, das ist es, was das zukünftige „Wir“ im Jahr 3000 ausgraben wird. So wie wir den Stein von Rosette oder Knossos auf Kreta ausgegraben haben und uns die Ehrfurcht unserer Vorfahren vorstellen, werden sie unseren Müll ausgraben und denken, wir hätten ihn verehrt, dass wir uns für eine Plastiktüte geopfert haben. Und ehrlich gesagt, sie würden nicht falsch liegen. Ich liebe diese Spannung – sie ist unheimlich und endlos faszinierend.
Aber ich schweife ab. Ja, beim Betrachten wird eine Erinnerung wach. Doch dann gibt es noch etwas anderes – vielleicht ebenso neurologisch, aber eher imaginativ anregend: die Geräusche, die sie auszustrahlen scheinen. Es ist, als ob die Stücke sagen: „Hallo, ich bin es, dieser Plastikbecher, von dem du dachtest, du hättest ihn losgeworden, aber den du in Wirklichkeit nur weitergegeben hast, damit sich jemand anderes darum kümmert.“
Waugh kennt die erschreckenden Müllberge, die sich weltweit anhäufen – Müllwellen, die sich endlos über Strände erstrecken, indische Kinder, die Metallschrott, alte Stifte und weggeworfene Pergamente aus der letztmonatigen Wegwerf-Wut sammeln und an lokale Handwerker verkaufen. Kleine Randnotiz: Während seines Studiums verbrachte Waugh Zeit in Indien im Rahmen eines Austauschprogramms, wo er die traditionellen Techniken der indischen Bildhauerei analysierte und erlernte.
Doch zurück zum Klang. Stein und Marmor sind von Natur aus stille und beständige Materialien, doch Waughs Werke vermitteln eine Erzählung – oder sogar einen imaginären „Klang“ – durch ihre Motive. Das Rasseln von Pillen in Big Pharma III, das befriedigende Knistern von Aluminiumfolie in Big Pharma. Wassily Kandinsky sagte einmal: „Egal wie abstrakt, jede Form hat ihren eigenen inneren Klang.“ Auch hier zeigt sich eine Spannung: Die physische, unnachgiebige Beständigkeit des Werkes steht im Kontrast zu der sinnlichen Erfahrung, die es hervorruft.
Die Stücke scheinen eine innere Klanglandschaft zu tragen, zumindest spüre ich dies stark, wenn ich sie betrachte: das Summen all der Dinge, die wir hinter uns gelassen oder übersehen haben, das uns zurückverfolgt. Das Schweigen dieser geisterhaften Überreste spricht lauter als Worte. Waugh muss sie nicht mit Erklärungen ausschmücken; jeder, der auch nur ein bisschen Empathie für den Planeten hat, wird ein Grummeln von Schuld, Unbehagen und das Echo von etwas spüren, das sich ändern muss, bevor es zu spät ist.
Die Werke von Tom Waugh sind Teil unserer neuesten Ausstellung The Sound of Form in unserer virtuellen Galerie.