Mouvements Artistiques

Un guide de l'histoire et de l'impact contemporain du mouvement artistique féministe

Le mouvement de l'art féministe est apparu au début des années 60, lors de la deuxième vague de féminisme. Des artistes féministes du monde entier ont entrepris de rétablir les piliers fondateurs et la réception de l'art contemporain. Le mouvement a inspiré le changement, remodelé les attitudes culturelles et transformé les stéréotypes de genre dans les arts.

Par Rise Art

Quand a commencé le mouvement artistique féministe ?

L’histoire du mouvement artistique féministe tel que nous le connaissons aujourd’hui s’inscrit dans une période de profonds bouleversements culturels. Les années 1960 ont été marquées par des mouvements pour les droits civiques, la guerre du Vietnam, des manifestations et des assassinats politiques. Une décennie tumultueuse et polarisante, mais essentielle pour amorcer un changement.

En 1971, l’essai de Linda Nochlin Why Have There Been No Great Women Artists? (Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ?) a déclenché un tournant fondamental. Elle y dénonçait les conditions sociales, culturelles et économiques qui empêchaient les femmes d’atteindre le même statut que leurs homologues masculins.

Le mouvement artistique féministe ambitionnait de déconstruire les perspectives socioculturelles enracinées à travers l’art, afin d’éliminer les préjugés et d’instaurer un nouveau dialogue autour de l’expérience féminine. Il a ainsi ouvert des opportunités et créé des espaces qui, jusque-là, semblaient inaccessibles aux femmes et aux artistes issus de minorités à travers le monde.

Qu’est-ce que l’art féministe ?

L’objectif central de l’art féministe est de donner une place à la représentation des femmes et de mettre en lumière l’effacement de leurs réalisations, tant dans l’histoire de l’art que dans la société. Les artistes féministes cherchaient à empêcher l’art occidental de reproduire les barrières de genre profondément ancrées.

Puisque le mouvement s’attachait à repousser les limites, il n’est pas étonnant qu’aucun médium ou style unique ne le définisse. Dès les années 1960, les artistes féministes se sont approprié des matériaux alternatifs et souvent négligés, liés aux questions de genre et à l’expérience féminine.

Les arts textiles, la performance et les médias numériques ont ainsi pris une place centrale – des médiums jusque-là dévalorisés par les artistes masculins. Jusqu’aux années 1960, ces derniers dominaient la hiérarchie entre arts « nobles » et arts « mineurs ». En réaction, les artistes féministes ont rejeté les formes d’expression artistiques héritées d’un cadre patriarcal pour se tourner vers des pratiques plus libres et innovantes.

Réécrire l’histoire de l’art

Au-delà de l’expérimentation artistique, le mouvement féministe visait à réécrire l’histoire de l’art. Les artistes ont contesté l’absence des femmes dans le canon artistique mondial et cherché à renverser la domination masculine dans la documentation historique et culturelle.

Une œuvre marquante du mouvement est The Dinner Party (1974) de Judy Chicago. Cette installation emblématique rend hommage à des figures féminines majeures de l’histoire de l’art et de la culture (telles que Frida Kahlo, Lee Krasner et Gertrude Stein). L’artiste a conçu un banquet cérémoniel sous la forme d’une table triangulaire dressée pour 39 femmes influentes. Sous la table, 999 autres noms de femmes méritant d’être célébrées sont inscrits en lettres dorées. Aujourd’hui encore, cette œuvre, exposée à l’Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, continue d’évoluer et d’intégrer de nouvelles voix féministes, consolidant ainsi la lutte pour l’égalité des genres.

Grâce à l’expérimentation audacieuse des artistes féministes, une nouvelle définition des Beaux-Arts a émergé. L’ouverture à d’autres médiums et, surtout, à de nouvelles perspectives a permis à l’art féministe de tracer la voie pour d’autres mouvements engagés, comme l’art identitaire et l’art activiste des années 1980.

Des artistes féministes qui ont marqué l’histoire

Miriam Shapiro

Dans les années 1970, Miriam Schapiro invente le terme femmage pour désigner des œuvres combinant tissus et autres matériaux textiles. Elle met ainsi en lumière des pratiques traditionnellement reléguées au rang de « travaux féminins », comme la couture, la broderie ou l’application de tissus, en les intégrant pleinement au domaine des arts plastiques. Pour elle, ces pratiques sont un apport essentiel et enrichissant aux Beaux-Arts.

Guerrilla Girls

Dans les années 1980, le collectif féministe Guerrilla Girls interroge la surreprésentation du nu féminin dans l’histoire de l’art occidental, tout en dénonçant le manque d’artistes femmes exposées dans les musées. Leur engagement prend forme en 1984, en réaction à l’exposition An International Survey of Recent Painting and Sculpture du MoMA : sur les 169 artistes exposés, seules 13 étaient des femmes. Dans la lignée des street artistes et des militants, Guerrilla Girls investissent l’espace public avec des affiches graphiques, des typographies marquantes et des campagnes d’impression choc, détournant même certains espaces publicitaires new-yorkais pour faire passer leur message.

Barbara Kruger

L’artiste conceptuelle et collagiste américaine Barbara Kruger réalise d’imposantes installations numériques immersives ainsi que des photographies, sur lesquelles elle superpose des graphismes percutants abordant l’autorité, l’identité et la sexualité. Son travail, qui interroge la puissance des médias de masse, joue sur la superposition et des slogans incisifs pour explorer les dynamiques de pouvoir qui sous-tendent la société contemporaine.

Sarah Lucas

Dans les années 1990, les artistes féministes poursuivent leur exploration des matériaux associés aux stéréotypes féminins pour dénoncer le sexisme et questionner les normes sociales et politiques. Membre du mouvement Young British Artists, Sarah Lucas utilise des métaphores visuelles marquantes et un humour provocateur dans ses collages et installations, comme dans sa série de poupées sexuelles Bunny Girl.

Louise Bourgeois

Tout au long de sa carrière, qui s’étend sur huit décennies, l’artiste franco-américaine Louise Bourgeois (1911-2010) aborde des thèmes complexes liés à la sexualité, à l’enfermement et au corps féminin. Bien qu’elle n’ait jamais officiellement revendiqué son appartenance à un mouvement artistique, elle s’est imposée comme une figure incontournable du féminisme dans l’art. Ses sculptures phalliques assumées, ses gigantesques araignées-mères et ses installations saisissantes ont marqué l’histoire de l’art contemporain.

Les artistes féministes contemporaines à suivre

Le mouvement artistique féministe continue d’avoir un impact sur le monde de l’art aujourd’hui, avec des artistes contemporaines qui perpétuent la lutte pour l’égalité des genres et les droits civiques.

Ces 6 artistes explorent et réinventent l’expérience féminine à travers leur travail, en utilisant leur art pour lutter contre l’oppression patriarcale.

Mikela Henry-Lowe

L'artiste jamaïcaine Mikela Henry-Lowe s’intéresse à la représentation des femmes noires dans la société. Grâce à une palette de couleurs vibrantes et des formes géométriques, ses portraits défient la vision négative et stéréotypée des femmes noires véhiculée par les médias.