Un guide de l'histoire et de l'impact contemporain du mouvement artistique féministe

Quand le mouvement artistique féministe a-t-il commencé ?

L'histoire du mouvement de l'art féministe tel que nous le connaissons aujourd'hui est née à une époque d'immenses bouleversements culturels. Les années 1960 ont été l'une des décennies les plus turbulentes et les plus conflictuelles de l'histoire, marquée par les mouvements en faveur des droits civiques, la guerre du Viêt Nam, les manifestations et les assassinats politiques. Pour beaucoup, il s'agissait d'une période nécessaire de changement et de renouveau.

 

Forbidden Fruit, 2015, papier, par Alexandra Gallagher

 

On peut dire que l'essai de Lindas Nochlin intitulé “Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ?” a déclenché un changement fondamental en 1971. Ce texte critique les circonstances sociales, culturelles et économiques qui empêchent les femmes d'atteindre le même statut et le même rang que leurs homologues masculins.

Le mouvement de l'art féministe aspirait à reconnecter les perspectives socioculturelles de longue date par le biais de l'art, chassant ainsi les préjugés et formant un nouveau dialogue sur l'expérience féminine. Ce faisant, l'art féministe a créé des opportunités et des espaces jugés auparavant inaccessibles aux femmes et aux artistes issus de minorités dans le monde entier.

 

Esther Eugene, 2019, acrylique et huile sur toile, par Dawn Beckles

 

Qu'est-ce que l'art féministe ?

L'objectif unificateur de l'art féministe est d'offrir un espace de représentation centré sur la femme et de dénoncer l'effacement des femmes et de leurs réalisations dans l'art et au-delà. Les artistes féministes ont activement cherché à empêcher l'art occidental de simplement reproduire les barrières de genre ancrées dans la société.

Comme le mouvement visait à briser les frontières, il n'est peut-être pas surprenant qu'aucun médium ou style particulier ne définisse l'art féministe. Dans les années 60, les artistes féministes ont adopté une gamme éclectique de matériaux alternatifs et précédemment négligés. Ces matériaux étaient souvent liés à la politique de genre et aux idées concernant l'expérience de la femme.

L'art de la performance, les médias numériques et les textiles ont pris le devant de la scène, des médiums historiquement négligés par les hommes. Jusque dans les années 60, les artistes masculins monopolisaient la hiérarchie entre le grand et le petit art. Les artistes féministes ont donc choisi de se débarrasser des médiums qui abritaient un précédent patriarcal et de s'exprimer par des moyens peu orthodoxes.

 

The Queen's Daughter, 2017, acrylique sur toile, par Irwanto Lentho

 

Réclamer le canon

En plus de canaliser des formes d'expression nouvelles et inhabituelles, les artistes féministes avaient l'intention de réécrire l'histoire de l'art. Les artistes ont remis en question l'absence des femmes dans le canon mondial, s'embarquant dans un voyage pour renverser la domination masculine dans la documentation historique et culturelle.

L'œuvre d'art qui a marqué le mouvement est The Dinner Party (1974) de Judy Chicago. Cette installation emblématique a rendu hommage à des femmes pionnières pour leur contribution aux arts (par exemple Frida Kahlo, Lee Krasner et Gertrude Stein), ce qui aurait dû être fait depuis longtemps. Judy a conçu un banquet cérémoniel sur une table triangulaire avec 39 couverts, chacun célébrant une femme influente de l'histoire. Les noms de 999 femmes dignes d'être commémorées sont inscrits en lettres d'or sous la table. Aujourd'hui, l'exposition (au Centre Elizabeth A. Sackler pour l'art féministe) est toujours rafraîchie et remplie de nouvelles voix féministes, renforçant ainsi la lutte pour l'égalité des sexes.

 

The Dinner Party, 1974, par Judy Chicago (avec l'aimable autorisation de the Brooklyn Museum)

 

Grâce à l'expérimentation intrépide des artistes féministes, une nouvelle définition des beaux-arts est née. La montée de l'inclusivité, non seulement en ce qui concerne les matériaux mais, peut-être plus important encore, les nouvelles perspectives, a ouvert la porte à un nouveau monde de l'art. Le mouvement de l'art féministe a ouvert la voie à des croisades artistiques telles que l'art identitaire et l'art militant des années 1980.

 

Hang'n with the girls, 2021, aquarelle sur carton, par Tracy White Fitzgerald

 

Les artistes féministes dans l'histoire récente

Miriam Shapiro

Dans les années 1970, Miriam Schapiro a néologisé l'expression "femmage" pour décrire les œuvres qui combinaient le tissu et d'autres textiles. Tout ce qui avait été historiquement exilé dans le bas domaine de l'artisanat féminin, y compris la couture, le piercing, la coupe, l'application et la cuisine, a été placé sur un piédestal. Miriam a déclaré que le "travail des femmes" était un complément viable et enrichissant au grand art.

 

Alexandra Exter (My Fan is Half a Circle), 1994, par Miriam Schapiro (avec l'aimable autorisation de Radford Universty, US)

 

Guerrilla Girls 

Tout au long des années 1980, le collectif d'art féministe Guerrilla Girls s'est interrogé sur la prolifération de l'art du nu féminin dans le canon occidental, exigeant une représentation féminine équitable. La coopérative s'est formée en riposte à l'exposition "An International Survey of Recent Painting and Sculpture" organisée par le MoMA en 1984. Sur les 169 artistes présentés, seuls 13 étaient des femmes. Les Guerrilla Girls ont suivi les traces des artistes de rue et des activistes, en incorporant des affiches graphiques, de la typographie et des imprimés dans leurs campagnes. Elles ont souvent détourné les principaux espaces publicitaires de la ville de New York.

 

Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?, 1989, par Guerrilla Girls (avec l'aimable autorisation de Tate)

 

Barbara Kruger

L'artiste conceptuelle et collagiste américaine Barbara Kruger crée des installations numériques immersives à grande échelle et des photographies. Recouverte de graphiques provocateurs sur l'autorité, l'identité et la sexualité, son œuvre confronte le pouvoir des médias de masse. Utilisant des techniques de superposition et des slogans obliques, Barbara explore les politiques d'identité qui sous-tendent la vie contemporaine.

 

Profil de l'artiste Barbara Kruger par Mark Sanders, publié dans le numéro printemps/été 2004 du magazine AnOther (avec l'aimable autorisation de AnOther Magazine)

 

Sarah Lucas

Tout au long des années 90, les artistes féministes ont continué à utiliser des matériaux réputés féminins pour exposer des sous-textes sexistes et remettre en question les normes sociales et politiques. Sarah Lucas, membre des Young British Artists des années 1990, manipule des métaphores visuelles frappantes et un humour salé dans ses collages et ses installations comme dans sa série de poupées sexuelles Bunny Girl.

 

Pauline Bunny, 1997, par Sarah Lucas (avec l'aimable autorisation de la Tate)

 

Louise Bourgeois

Tout au long de sa carrière, qui s'étend sur huit décennies, l'artiste franco-américaine Louise Bourgeois (1911 - 2010) s'est penchée sur des thèmes complexes tels que la sexualité, l'enfermement et le corps féminin. Bien qu'elle ne soit pas véritablement rattachée à un mouvement artistique particulier, Louise a néanmoins revendiqué avec fierté et sans compromis la place des femmes dans le monde de l'art. Ses sculptures de phallus sans complaisance, ses gigantesques mères araignées et ses installations suspendues resteront dans l'histoire.

 

10 am is When You Come to Me, 2006, par Louise Bourgeois (avec l'aimable autorisation de Tate)

 

Artistes féministes contemporaines à suivre

Le mouvement de l'art féministe a toujours un impact sur le monde de l'art aujourd'hui, car les artistes féministes contemporaines poursuivent la lutte pour l'égalité des sexes et les droits civiques.

Ces six artistes féminines explorent et élèvent ce que signifie être une femme, en utilisant leur art pour combattre l'oppression patriarcale.

 

Alexandra Gallagher

L'artiste pluridisciplinaire Alexandra Gallagher s'inspire de l'expérience féminine dans la société occidentale, insufflant à ses gravures et peintures surréalistes de subtils accents politiques. Opulent and chic in style, these fierce, floral aesthetics are a deep and celebratory dive into the feminine.

 

Efflorescence, 2019, papier, par Alexandra Gallagher

 

Joe Hesketh

L'avant-gardiste Joe Hesketh est connue pour ses peintures abstraites, transgressives, qui exposent nos démons intérieurs. Fascinés par le grotesque et le surnaturel, ses portraits se situent à cheval entre l'humour et la tragédie. La nature autocritique de ses œuvres suspend la vulnérabilité féminine stéréotypée et suscite un discours sur la psyché féminine.

 

Facebook, 2017, peinture à l'huile, par Joe Hesketh

 

Kirsten Lilford

L'artiste sud-africaine Kirsten Lilford capture des instantanés quotidiens de scènes domestiques et de paysages de banlieue, mais avec un petit quelque chose en plus. Ses peintures réalistes sont une ode troublante à l'enfermement domestique et à la politique familiale.

 

Pool Party, 2017, huile sur toile, par Kirsten Lilford

 

Delphine Lebourgeois

Delphine Lebourgeois réinvente le nu féminin dans ses impressions et illustrations Tissant des liens entre les influences et l'imagerie traditionnelles et modernes, ses œuvres nuancées et intrigantes sont une célébration de l'individualité et de la force féminines.

 

Stellar Baby, 2018, impression giclée sur papier Hahnemuhle photorag, par Delphine Lebourgeois

 

Olivera Parlic

La sculptrice serbe Olivera Parlic crée des œuvres d'art richement symboliques qui suscitent un dialogue sur les droits des femmes dans l'espace domestique. Des sculptures inventives telles que Cactus recontextualisent des objets ménagers, leur conférant une signification plus profonde. L'artiste souligne les questions contemporaines relatives à la liberté sexuelle et à la domesticité conventionnelle.

 

Vakuum, 2008, vacuum rubber, pins, nylon thread, par Olivera Parlic

 

Mikela Henry-Lowe

L'artiste jamaïcaine Mikela Henry-Lowe s'intéresse à la représentation des femmes noires dans la société. Avec une palette de couleurs frappantes et des formes géométriques, les portraits de Mikela défient l'image très négative des femmes noires véhiculée par les médias.

 

Bantu Embrace, 2017, huile sur toile, par Mikela Henry-Lowe